“Malos Hábitos”, Martes 26 de Abril a las 19 hs. Apta para mayores de 16 años

Matilde (Ximena Ayala) es una monja convencida de que la fe mueve montañas. En secreto, comienza un místico ayuno para terminar con lo que considera el segundo gran diluvio. Elena (Elena de Haro), la madre de Linda (Elisa Vicedo), es una delgada y bella mujer que está dispuesta a hacer lo imposible para que su hija adelgace. Todo esto ocurre mientras su padre, Gustavo (Marco Antonio Treviño), reencuentra el amor gracias a una estudiante (Milagros Vidal).

Título de la película: Malos hábitos
País: México
Año: 2007
Duración: 98 minutos
Género: Drama
Productor: Alberto Bross y Avelino Rodríguez
Director: Simón Bross
Actores principales: Jimena Ayala, Elena de Haro, Marco Treviño, Elisa Vicedo, Aurora Cano, Milagros Vidal, Emilio Echevarría, Patricia Reyes Spíndola, Alejandro Calva

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“Malos Hábitos” es una película que aborda los desórdenes alimenticios. Es la ópera prima de Simón Bross quien se ha desempeñado en el campo de la publicidad. El filme se destaca por su estética visual, misma que contrasta con los problemas en que viven inmersos sus personajes.

Hace ocho años el director de esta película, Simon Bross, padeció de cáncer y durante este difícil momento de su vida personal, pensó que una de las cosas que le gustaría hacer sería una pelicula. Tiempo después llegaría el guionista Ernesto Anaya y las cosas comenzarían a volverse realidad para este publicista que hasta ahora sostenta el título de ser el director de comerciales más premiado en iberoamérica. Malos Hábitos ha recibido diversos galardones entre los que se destacan el Premio a Mejor Ópera Prima en la versión número veintidos del Festival Internacional de Cine de Guadalajara y en Los Angeles Latino International Film Festival, el premio “Silver Zenith” en el Montreal World Film Festival y el galardón “Círculo Precolombino de Oro” en el pasado Festival de Cine de Bogotá, Colombia.

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“Lilja 4 ever”, Martes 19 de Abril, a las 19 hs. Apta Mayores de 16 años

Duro film que indaga en un tema desgraciadamente actual y terrible: el de las jóvenes que, obligadas a prostituirse para poder vivir, caen presa de las mafias que las utilizan como esclavas sexuales. Lilja (léase L-I-L-I-A) es una chica de dieciséis años que vive en un olvidado suburbio de una innombrada ciudad de la antigua Unión Soviética. Un mal día su madre la abandona, así, sin más, y ella se encuentra sin dinero para pagar el alquiler de lapensión en la que fué recluída.  Su único amigo es Volodia, un preadolescente que tampoco tiene a nadie y malvive como un mendigo. Un día, una conocida de Lilya le comenta que puede sacar mucho dinero acostándose con hombres.

Lukas Moodysson, nacido en el sur de Suecia en 1969, publicó un libro de poesía a los 17 años, seguido por otros libros de poesía y una novela. Su dos primeros largometraje Fucking Åmål (1998) y Juntos (2000) fueron aclamados por la crítica y el público. Lilja 4-ever es su tercer largometraje. Esta película ha sido la ganadora del Festival de Cine de Gijón y fue la candidata sueca por los Premios Oscar de este año.

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“Hace mucho que te quiero” Martes 12 de Abril, 19 hs.

Juliette sale en libertad después de pasar quince años en la cárcel. Durante ese tiempo no ha tenido ningún contacto con su familia, que la rechazó. Léa, su hermana menor, la recibe en su casa de Nancy (Francia), donde vive con su marido Luc y dos hijas adoptivas. Debido al largo encarcelamiento de Juliette y a su diferencia de edad, las dos mujeres se sienten como dos extrañas. Pero Léa aceptó dar cobijo a su hermana cuando lo …s servicios sociales se pusieron en contacto con ella. Al principio, Juliette parece distante, alejada del mundo, ensimismada, pero Léa se esfuerza en hacer que su estancia sea agradable. Su marido Luc no está de acuerdo y sus dos hijas están encantadas de descubrir que tenían una tía desconocida. La casa es grande y siempre está llena de amigos. Michel, compañero de trabajo de Léa y seductor empedernido, y una pareja de inmigrantes, Samir y Kaisha, ayudan a Juliette a volver a una vida normal. Léa descubre cuánto echaba de menos a su hermana y la tremenda deuda que cree tener con ella. Poco a poco, las hermanas recuperan la confianza mutua para superar los secretos y las palabras no pronunciadas que contribuyeron a alejarse una de la otra.

Título Original: Il y a lontemps que je t´ aime
Género: Drama.
Duración: 115 minutos
Reparto: Kristin Scott Thomas, Elsa Zylberstein, Serge Hazanavicius, Laurent Grévill, Frédéric Pierrot, Claire Johnston, Catherine Hosmalin, Jean-Claude Arnaud, Olivier Cruveiller, Lise Ségur

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Philippe Claudel en “Hay Festival” de Cartagena

Sábado 15 de enero de 2011

Este escritor, guionista y director vive en Nancy, al norte de Francia. Y no tiene la más remota intención de salir de ahí.

“Necesito mi hogar, mi ciudad simple. Muchos editores, críticos y escritores creen que París es el centro del mundo. Es ridículo, me gusta la autenticidad”, ha dicho.

Philippe Claudel es la comprobación de que no se necesita estar en París para triunfar. En 2003 ganó el premio Goncourt a relatos cortos con Les petites mécaniques, y ese mismo año obtuvo el premio Renaudot con Almas grises. Después del buen recibimiento de su sexta novela, La nieta del señor Linh, repitió hace tres años el Goncourt de los Estudiantes con El informe de Brodeck, que también ganó el año pasado el Independent Foreign Fiction Prize, en Inglaterra.

Sus obras han fascinado a los lectores con una narración simple, atmósferas llenas de detalles y temas como la muerte, la amistad, la culpa, los recuerdos, el desarraigo, la reclusión, las vidas secretas, la tristeza… en pocas palabras, la exploración de la naturaleza humana.

Claudel combina los oficios de escritor y director de cine, con la docencia, un trabajo que llama “real” pero que no lo aleja de su universo personal. “Enseñar es un placer para mí”, dice este profesor de antropología cultural y literatura, y también docente de colegios y de la cárcel.

“Fui a una cárcel a enseñar durante diez años una vez por semana, algo que cambió mi modo de ser y de ver la vida. También di clases a niños hospitalizados y discapacitados, pensé que podía ir a sitios donde mucha gente no va. Tenemos el deber de entrar a los guetos para agrietarlos un poco e intentar incluirlos en nuestro mundo”.

De allí también salen historias para sus relatos y sus guiones de cine. Precisamente su primera película, Hace mucho que te quiero, que presentará en el Hay Festival en Cartagena, es la historia de una mujer presa que sale libre y que durante 15 años no ha hablado con su hermana, la persona que la espera afuera. Claudel se llevó otros premios con el filme, que se estrenó en 2008: el César a Mejor ópera prima y el Bafta a Mejor filme extranjero.

“Cuando escribo una novela veo la escena en mi mente y solo trato de traducir esa visión. Cuando escribo un guión, uso un lenguaje básico, sin una dimensión poética. El privilegio es que tengo la oportunidad de estar en ambos campos”.

De ahí su admiración por el que considera un genio del cine del siglo XX: Stanley Kubrick, y de escritores como Geoges Simenon, Jean Giono, Christopher Hampton, Ian McEwan, Bret Easton Ellis, Ismail Kadaré, Edward Abbey, Leonardo Sciascia y Julien Gracq. Con ellos ha creado el mundo que no lo deja salir de Nancy, donde escribe siguiendo, quizás al pie de la letra, el consejo que les da a los nuevos escritores: “Nunca oigan un consejo. Sigan únicamente la pasión y la fuerza de sus deseos”.

Cromos.com.co
Encabezada por la excepcional Kristin Scott Thomas en su papel fantasmal de Juliette, se ha llevado el premio del jurado en el festival de Berlín edición 2008.  Fué candidata a la mejor actuación en los Premios BAFTA y Satellite.

Moolaadé de Ousmane Sembene, martes 5 de Abril. 19 hs.

sinopsis

Colle Ardo Gallo Sy, la segunda esposa de un hombre de poco carácter, todavía se resiente de los efectos de la purificación o ablación que sufrió de niña. Hace siete años rehusó que su tercera hija, la única que ha sobrevivido, fuera sometida al ritual por el que debe pasar toda mujer si quiere casarse. Hoy, varias niñas y adolescentes deben pasar por el ritual, pero seis de ellas escapan. Dos se van a la ciudad y las otras cuatro evocan la «moolaade» (protección) de Colle cuyo marido está de viaje. Colle acoge a las jóvenes en su casa dividiendo así a la comunidad entre dos poderosos valores tradicionales. Por una parte, los defensores de la ablación empeñados en celebrar el ritual a toda costa y, por otra, el respeto a la sagrada protección que no se levantará mientras Colle no pronuncie las palabras rituales. Amsatou, la hija de Colle, ya está en edad de casarse y la pretende el hijo del jefe del pueblo, un hombre de negocios de ideas liberales que divide su tiempo entre París y la aldea. Está a punto de llegar y deberá decidir si se une a los seguidores de la protección, algunas madres y unos pocos hombres más abiertos que el resto, o si apoya a su padre y a los demás ancianos. Hasta la fecha, ningún hombre se ha atrevido a casarse con una mujer no purificada.

Ousmane Sembene


(Ziguinchor, 1 de enero de 1923Dakar 9 de junio de 2007) actor, director, escritor, guionista y activista político senegalés.

Siempre fue un combatiente del arte. En 2004 rodó en Burkina Faso su última película, Muladé (Derecho de asilo), que no quería que fuese la última, y obtuvo premio en Cannes y Uagadugu, algo coherente con quien habló claro en Europa y en África. En su trayectoria constan dos galardones en Venecia. Fue cofundador en 1969 del mejor festival de África, el Fespaco de Burkina Faso.

Nacido en una familia de pescadores musulmanes de Casamance (sur de Senegal), fue alistado en los Tiradores Senegaleses del Ejército de la Francia Libre de De Gaulle en 1942. Tras la II Guerra Mundial, emigró a la metrópoli. Parecía condenado a un destino de mecánico en la Citroën en París y de estibador en Marsella. En 1947 se afilió al Partido Comunista francés, en el que organizó una huelga para evitar el embarque de armas contra los nacionalistas vietnamitas que combatían el régimen colonial de París.

Esas experiencias le sirvieron para aprender el suficiente francés como para escribir en 1956 la novela El estibador negro. Cuatro años después publicó Las astillas de Dios, sobre la huelga de los trabajadores del ferrocarril Dakar-Níger a finales de los años cuarenta: relato con múltiples personajes, que la crítica comparó a Germinal, de Zola.

Descubrió su pasión por el cine y se trasladó en 1960 a Moscú para estudiar dirección. Así pudo realizar en 1965 el primer largometraje africano, La negra de…, basada en un cuento propio, la historia de la doncella senegalesa de una pareja blanca, cuyo regreso a Francia rompe el futuro de la muchacha y la precipita en el suicidio. Duraba sólo una hora, dadas las dificultades de producción, pero ganó el Premio Jean Vigo.

Tres años después realizó la primera película en su idioma, el wolof, Mandabi, crítica de la corrupción. Tampoco cesó de publicar narrativa en los años sesenta: es autor de Harmatán, nombre del viento del desierto, sobre el referéndum de independencia en una capital africana, El mandato, y El último del Imperio, que se pinta un golpe militar.

Dirigió en total 10 películas. Emitai (1972) estuvo prohibida en Francia cinco años por su retrato del colonialismo. El éxito decisivo lo logró en 1975 con Jalá (Impotencia), una sátira sobre la obsesión de las autoridades religiosas y civiles del África occidental de asegurarse con hechizos el vigor sexual y por tanto el poder. El filme fue prohibido en Senegal. Sembene volvió a chocar dos años después con la censura islamista cuando rodó Ceddo, pero se las apañó para que internacionalmente se conocieran las escenas cortadas.

Toda la obra literaria y cinematográfica de Sembene expresa las contradicciones de las sociedades africanas entre modernidad y tradición, autoritarismo y respeto a la comunidad, corrupción y ansia de democratización. Tiene grandes similitudes, incluso en el humor, con la novelística del marfileño Ahmadou Kourouma, muerto en 2003 y autor de El sol de las independencias o Alá no está obligado.

Sembene nunca cultivó opiniones conformistas. “La ayuda humanitaria es lo peor”, dijo. “Es como alimentar a alguien con pasteles o miel. Le haces perder contacto con la realidad, le haces incapaz”. Tuvo claro que “nuestras películas deben entretener e inspirar y convertirse en tema principal de conversación”. Siempre reivindicó un África “que intenta recuperar un pasado brillante que nos han robado, un África que no pierde la fe, un África que no representan nuestros líderes, ni esa multitud que pide limosna como se hace creer al resto del mundo. Para mí es un deber reflejar ese África”.

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“Anjos do Sol” de Rudi Lagemann

Martes 29 de Marzo, 19 hs.


 

SINOPSIS

“Anjos do Sol” cuenta la historia de una niña de 12 años de edad, Maria, que, en el verano de 2002, en el interior de nordeste brasileño, es vendida por su familia a un reclutador de prostitutas. Comprada en una subasta de niñas vírgenes, Maria es enviada a un prostíbulo localizado en un pueblito, cerca de una mina, en la selva amazónica. Después de meses sufriendo abusos junto a otras niñas, Maria logra huir y cruza Brasil viajando a dedo, en camiones. Al llegar a su nuevo destino, Río de Janeiro, la prostitución se pone una vez más en su camino. Sus actitudes al enfrentar los nuevos desafíos son inesperadas y sorprendentes.

Con gran público compartimos y debatimos sobre trata de blanca, tema que pone en el tapete una de las problemáticas más difìciles que afronta nuestra sociedad y la mujer específicamente. “Ángeles del Sol”, film brasilero pionero en latinoamérica sobre la temática, forma parte del Ciclo Chacleta que ProYecta dedica a la mujer. El próximo encuentro ProYecta “Moolaadé”, film de producción Senegalesa que aborda la tradición de la ablación (la salindé), mutilación de las niñas como forma de “purificación”. El encuentro es el martes 5 de abril a las 19 hs. Recuerden que este Ciclo es Apto para mayores de 16 años. Están invitados.
ProYecta siempre libre… siempre gratuito

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Premios y nominaciones recibidas

Huelva Latin American Film Festival

  • Nominado al Golden Colon

Gramado Film Festival

  • Ganador del Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Actor (Longa Metragem em 35 mm, Brasileiros – Melhor Ator)
  • Ganador del Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Editing (Longa Metragem em 35mm, Brasileiros – Melhor Montagem)
  • Ganador del Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Screenplay (Longa Metragem em 35mm, Brasileiros – Melhor Roteiro)
  • Ganador del Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Supporting Actor (Longa Metragem em 35 mm, Brasileiros – Melhor Ator Coadjuvante)
  • Nominado al Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Actor (Longa Metragem em 35mm, Brasileiros – Melhor Ator)
  • Nominado al Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Film (Longa Metragem em 35 mm, Brasileiros – Melhor Filme)
  • Nominado al Golden Kikito en la categoria Brazilian Film Competition – Best Supporting Acrtress (Longa Metragem 35 mm, Brasileiros – Melhor Atriz Coadjuvante)

Prêmio Contigo Cinema, Brazil

  • Ganador del Jury Award en la categoria Best Supporting Actor (Melhor Ator Coadjuvante)
  • Ganador del Jury Award en la categoria Best Motion Picture (Melhor Filme)
  • Nominado al Jury Award en la categoria Best Actress (Melhor Atriz)

Buda explotó por verguenza

Martes 22 de Marzo, 19 hs. Sala Cognigni Cabildo Histórico de Córdoba. ProYecta siempre libre…siempre gratuito!!!!!

Buda explotó por vergüenza (en persa Buda az sharm foru rikht, traducido al inglés Buddha Collapsed Out of Shame) es el título de una película dramática de coproducción francoiraní dirigida por Hana Makhmalbaf en 2007. Relata la historia de una niña afgana que lucha por ir a la escuela y recibir una educación. Se estrenó en España el 29 de febrero de 2008 y compitió en el Festival Internacional de Cine de Toronto y en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 2007 donde consiguió el Premio Especial del Jurado y el Premio Otra Mirada.

En la zona cercana a los recientemente destruidos Budas de Bāmiyān viven miles de familias. En un entorno violento marcado por el régimen de los talibanes de Afganistán, Baktay, una niña de seis años, se propone ir a la escuela como su vecino y aprender así el alfabeto. En su camino a la escuela sufrirá el acoso de otros niños, que pretenden derribarla y lapidarla como sus mayores hicieron con las gigantescas estatuas de Buda.

“Afganistán es un país extraño. En un periodo de 25 años, ha tenido varios gobernantes; los rusos comunistas, Al-Qaeda, el grupo islámico extremista talibán y los cristianos occidentales o laicos. Cada gobernante ha contribuido a la destrucción de Afganistán con el objetivo de salvar al país de la hegemonía del contrario. Las destrucciones actuales sufridas en Afganistán no sólo se limitan a ciudades y hogares”

Hana Makhmalbaf

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Entrevista con Hana Makhmalbaf

P: ¿Dónde se desarrolla la película?
R: La mayor parte del largometraje ha sido rodado en Bamian, en Afganistán, bajo los restos de las estatuas de Buda que fueron destruidas por los Talibán en 2001.

P: ¿Cómo seleccionó a los actores?
R: Visité muchas escuelas en Bamian y sus alrededores, vi a miles de niños y realicé pruebas a cientos de ellos hasta que encontré a los que me parecieron más adecuados para mi historia.

P: ¿Cómo fue dirigir a los niños?
R: Duro, pero satisfactorio. Duro porque no estaban familiarizados con el cine. Nadie había rodado antes una película en su ciudad, nunca habían tenido un canal de televisión local que les permitiera acostumbrarse a ver su propia imagen en la pantalla. No obstante, fue tremendamente satisfactorio trabajar con todos estos niños, tan llenos de energía, ver sus preciosas caritas inocentes. Al dirigirlos, intenté adoptar un enfoque diferente, hacer que todo pareciera un juego. Y dicho ambiente puede verse reflejado en el largometraje. Si esta película tiene un significado, éste se encuentra detrás de los juegos de estos niños.

P: Al ver ahora la película, ¿cree que ha conseguido transmitir lo que quería?
R: Intenté reflejar los efectos de años de violencia en a través de la imagen del Afganistán actual, para que los adultos puedan darse cuenta del modo en que su comportamiento afecta a las generaciones más jóvenes. Los niños son los adultos del mañana. Si se acostumbran a la violencia, el futuro del mundo correrá un gran peligro. Un chico adolescente dice en la película: “Cuando sea mayor, te mataré”, porque de niño ha vivido en un ambiente muy violento: la violencia ha pasado a formar parte de su vida diaria. Creo que la verdadera escuela de los niños es observar y copiar el comportamiento de sus padres y los demás adultos que los rodean. Por ejemplo, hace algunos años en Bamian se produjo una terrible masacre en la que muchos hombres y chicos jóvenes fueron decapitados justo delante de sus esposas y madres. Lo irónico es que incluso aquellos que llegan para rescatar a Afganistán primero lo destruyen y luego no tienen tiempo para reconstruirlo. Después llega el siguiente ‘grupo de rescate’ y se vuelve a repetir el mismo ciclo de destrucción y violencia, una y otra vez. Primero fueron los rusos, luego los Talibán, y ahora los americanos. Comunistas, musulmanes y ateos / cristianos, pero todos con una cosa en común: la violencia. Y esta violencia ha sido inyectada una y otra vez por parte de tres grupos diferentes en la cultura de la gente de este país, hasta tal punto que es posible verla en los juegos de sus hijos. A diferencia de sus homólogos en América, que aprenden la violencia de las películas de acción hollywoodienses, los niños en Afganistán la han aprendido al presenciar las atrocidades sufridas por sus familiares. Han sido testigos de cómo sus padres eran decapitados en sus propios jardines.

P: El largometraje se titula BUDDHA COLLAPSED OUT OF SHAME (Buda explotó por vergüenza) pero ¿no fueron los Talibán los que realmente destruyeron las estatuas de Buda?
R: Sí, puede que sí. Dicha destrucción también aparece al principio y al final de la película. Pero el origen del título está en una frase de mi padre, Mohsen Makhmalbaf, que quiere decir que hasta una estatua puede avergonzarse de presenciar tanta violencia y tragedias sufridas por personas inocentes, y explotar por ello. El título me pareció adecuado no sólo por este significado metafórico, sino también porque la mayor parte de la historia tiene lugar frente al vacío dejado por las estatuas de Buda.

P: ¿Tenía ya toda la historia en la cabeza antes de comenzar el rodaje, o la fue desarrollando a lo largo de la filmación?
R: Al principio tenía una idea bastante poética sobre el largo recorrido de un día de una niña de 6 años incitada –o más bien provocada– por el hijo de los vecinos para acudir a la escuela. Como no tiene cuadernos, vende los huevos de su gallina para comprarlos, pero el dinero que consigue no es suficiente para comprar un lápiz, así que toma en su lugar el lápiz de labios de su madre y sale hacia la escuela. Desconocedora de los pasos que uno debe seguir para matricularse como alumno, va visitando todas las escuelas que va encontrando por el camino, pero es rechazada. Cuando terminó la primera parte del rodaje, durante los trabajos de edición me pareció que los personajes estaban de algún modo incompletos. Así que acudí a mi madre, la guionista, y comenzamos a trabajar de nuevo en el argumento. De hecho, la historia de un día que vemos en la película fue rodada a lo largo de tres estaciones diferentes: primavera, verano y otoño.

P: ¿Cómo se desarrollaron los personajes de la película?
R: En parte durante la creación del guión y en parte durante el rodaje. En cuanto comenzó la filmación, vi y aprendí cosas nuevas sobre el tema que quería tratar. Presté especial atención a los niños que jugaban a nuestro alrededor y decidí incorporar algunos de sus juegos y parte de esta nueva información a mi historia. Por ejemplo, conocí a un hombre que fue comunista durante la invasión rusa, pasó a ser un Mullah durante el periodo talibán, y ahora trabajaba con los americanos. Durante dos décadas había mantenido un estrecho contacto con quienquiera que estuviera en el poder. En la película, su papel lo interpreta el chico que “mata” sin parar, cada vez bajo un nombre diferente y representando a grupos distintos. Otro ejemplo es el niño que sigue estudiando el alfabeto independientemente de lo que le ocurra. Incluso continúa estudiándolo estando bajo tortura, aunque parece que nunca va a conseguir aprenderlo. ¡Un esfuerzo interminable sin signo alguno de progreso! Sin embargo, sus sobrecogedoras experiencias ocultan un profundo significado. A diferencia del otro hombre, él nunca ha estado en el poder o cerca de aquellos que lo están; al contrario, ha sido objeto de abusos y sometido por dicho poder. Esto es lo que ocurre en muchos países de todo el mundo. Hay personas que son sometidas a abusos, torturas o masacres constantes, pero que no se rinden ni obtienen ningún éxito.

El chico aprende que a veces en la vida es necesario morir para poder seguir adelante. No es una experiencia habitual. Lo último que le dice a la niña es: “Muere y te dejarán en paz”. La niña acepta morir en su juego para escapar del círculo vicioso de violencia en el que están atrapados.

P: ¿Hay algún héroe en el largometraje?
R: No hay ningún héroe en la película. Ni siquiera la niña, ya que no consigue su objetivo. Incluso acepta morir de forma temporal, explotar como la estatua de Buda, cuando así se lo exigen los niños hacia el final de la película. No tiene elección. Durante el largometraje, recorre una larga distancia pasando por distintas escuelas con el objetivo de aprender un chiste. Nadie le enseña el chiste que ella busca, pero aprende muchas otras cosas durante su recorrido. En mi opinión, no sólo no hay ningún héroe en esta película, sino que además describir e intentar simplificar los personajes que representan a personas extraídas de la vida real es muy difícil. Cada uno de los personajes representa diferentes capas de la vida. También depende del modo en que se analice la cinta. Por ejemplo, cuando los niños están “interpretando” en serio a sus padres en las batallas, las niñas también se dedican a actuar como sus madres; poniéndose maquillaje. Como vemos, todo esto ocurre en un país en el que la imaginación les permite fabricar armas con pequeños palos, invadir escuelas armados únicamente con un lápiz de labios, y bombardear una ciudad con un juguete tan sencillo como una cometa.

P: Hablemos acerca de sus dos últimos largometrajes y de su experiencia en el mundo del cine hasta la fecha.
R: Mi segunda experiencia fue JOY OF MADNESS, un documental entre bastidores acerca de la película de mi hermana Samira AT FIVE IN THE AFTERNOON, que grabé digitalmente sin ningún equipo de rodaje. En un primer momento, la idea era documentar los problemas a los que Samira tuvo que enfrentarse durante el rodaje en Afganistán, pero la película final resultó ser sobre la situación de las mujeres en Kabul tras la invasión americana. Mi primera película, THE DAY MY AUNT WAS ILL, fue un corto, hecho en casa con una sencilla videocámara cuando tenía ocho años. Así que existe un lapso de nueve años entre este primer corto y mi primer largometraje. Durante esos nueve años estuve constantemente trabajando en películas, como encargada de la fotografía, ayudante de dirección, y todo eso.

P: ¿Por qué Afganistán y no Irán?
R: Quería rodar una película que me interesara, donde pudiera obtener los permisos para hacerla. Tengo muchas historias que se desarrollan en Irán y espero hacerlas algún día, cuando pueda obtener la autorización. Ahora estamos en un momento complicado.

P: ¿Cómo ve el futuro de Afganistán?
R: Los Talibán se han ido pero su impacto sobre esta cultura todavía permanece. La guerra constante en Afganistán ha destruido la cultura mucho más que el país. La violencia que ha asolado las almas de los niños puede surgir como un nuevo complejo en el futuro. Ahmad Shah Massoud solía decir: “Un buen político no es el que analiza bien el futuro. Es el que comprende el presente”. Cuando estoy allí, siento que el mundo ni siquiera comprende los problemas actuales del país. ¿Cómo puede pretender predecir y construir el futuro de Afganistán?

P: ¿Por qué hace películas? ¿Es porque procede de una familia de realizadores o porque tiene algo que decir que sólo puede expresar a través de este medio?
R: Como una chica de 18 años que vive en el Irán contemporáneo y se enfrenta a unas presiones ideológicas, políticas y sociales muy particulares, tengo mucho que decir. Suelo escribir la mayor parte de mis ideas para el cine en forma de historias cortas, para mí misma. Aunque hacerlo no disminuye el dolor de aquellos con los que simpatizo, al menos sí suaviza mis propias presiones psicológicas. Aunque no haya sido rodada en Irán, BUDDHA COLLAPSED OUT OF SHAME (Buda explotó por vergüenza) transmite lo que tengo que decir acerca del sufrimiento colectivo existente tanto en Irán como en Afganistán. Ambas sociedades poseen unos problemas culturales / políticos similares.

P: ¿Cuándo comenzó a interesarse por el cine?
R: Cuando tenía ocho años. Antes de eso, quería ser pintora y me hice amiga de una gran pintora iraní. Al ver su soledad durante los largos días de trabajo, me di cuenta de que me encantaba pintar pero no la soledad que ello implicaba. El cine era algo más dinámico. Cuando mi padre estaba trabajando, quedaba totalmente hechizada por las olas de energía que surgían en torno a sus películas. Me emocionaba sólo con escuchar “¡Sonido, cámara, acción!”: estas tres sencillas palabras ejercían un extraño poder sobre mí. Por eso dejé la escuela primaria tras el segundo curso a la edad de ocho años, sólo unos meses después de que Samira abandonara la enseñanza secundaria. Continué estudiando en las clases de mi padre junto a ella, trabajé en proyectos cinematográficos familiares como fotógrafa, asistente de rodaje y de dirección y realicé documentales entre bastidores.

P: ¿Su padre la apoyó cuando dejó la escuela?
R: Como mi padre no creía en el sistema educativo en Irán que enseñaba ideología más que conocimientos, me dijo: “Si estás preparada para estudiar más cosas, bienvenida a nuestra escuela”. Y mi trabajo pasó a ser más duro desde ese momento, ya que en la escuela de mi padre aprendía a hacer cine y fuera tenía que estudiar los temas que mis compañeras estaban estudiando en el colegio.

P: ¿Qué clase de problemas ocasiona esta forma de estudiar?
R: Sobre todo, celos entre mis compañeras. Cuando vieron que yo leía libros en un mes que ellas tardaban un año en leer, que hacía exámenes y que perseguía mis propios intereses, sintieron celos de mí. En un momento, pasados unos años, echaba de menos la escuela convencional, así que volví durante dos semanas, pero el trato amenazador dispensado por los profesores a los alumnos, el método educativo clásico y el trasfondo político-ideológico de todas las materias volvieron a decepcionarme. Un día, al mirarme en el espejo, me sentí como una mujer mayor y volví a escapar de la escuela.

P: ¿Cree que el cine es un trabajo duro o le parece sencillo?
R: Según he ido avanzando, la dificultad de este trabajo se ha vuelto más patente. De niña, solía escuchar la palabra censura, pero ahora la estoy experimentando. Este último guión permaneció en el ministerio de cultura iraní durante meses, pero nunca obtuvo la autorización necesaria. Hoy en día, el cine prácticamente nos ha exiliado. Mi padre se ve forzado a vivir como un nómada para lograr escapar de la censura. Mi último largometraje fue rodado en Afganistán y editado en Tayikistán, mientras que el trabajo de laboratorio se llevó a cabo en Alemania.

P: ¿Qué opina de Samira? ¿En qué se diferencia de usted?
R: Yo la veo desde el exterior y a mí desde el interior. Pero es una pionera. No sólo para mí sino para muchos de sus compañeros. Y no sólo en Irán además. Ella ha aportado a las nuevas generaciones, y en especial a las mujeres, una gran confianza en sí mismas. Por un lado, está loca y hace sus películas con su locura. Y por eso es por lo que opina que el ex-presidente de Irán fracasó, porque no estaba lo suficientemente loco. Samira cree que los locos son los que hacen avanzar la historia y los cuerdos la controlan. Yo no estoy tan loca como ella, pero yo fui la primera en hacer películas cuando tenía ocho años. Mi largometraje se mostró en el Festival de Locarno. Samira empezó más tarde que yo. Pero estas comparaciones no sirven de nada. Quizá las dos algún día dejemos el cine y vivamos como los demás. Con el tiempo he llegado a la conclusión de que un realizador no es alguien que sabe cómo hacer películas, sino más bien alguien que no sabe cómo vivir como los demás.

Ciclo Chancleta

Martes 15 de Marzo, 19 hs.

“Caramel”

De Nadine Libaki. Líbano – Francia. 2007.

 

 

En Beirut, cinco mujeres se reúnen en un salón de belleza, un microcosmos altamente colorista y sensual. Layale ama a Rabih, pero es un hombre casado. Nisrine es musulmana y tiene un problema de cara a su próxima boda: ya no es virgen. Rima está atormentada porque se siente atraída por las mujeres. Jamale se resiste a envejecer. Rose se ha sacrificado por cuidar de su hermana mayor. En el salón de belleza, los hombres, el sexo y la maternidad se sitúan en el centro de sus conversaciones íntimas y liberadas, entre cortes de pelo y depilación con una pasta caramelizada de azúcar, agua y limón.

Caramel” o “Sukkar Banat” como se titula la película en árabe, gira en torno a las vidas de cinco mujeres libanesas, cada una de ellas bajo el peso de sus propios problemas sociales y morales.

La mayoría de las películas libanesas solían tocar temas que giraban en torno a la guerra civil de 1975 a 1990, que destruyó gran parte del entramado social del país. En una industria cinematográfica que está tradicionalmente dominada por el tema bélico, “Caramel“, una película de la directora libanesa Nadine Labaki, rehuye el conflicto y, en cambio, pone a la luz dilemas sociales a los que se enfrentan las mujeres libanesas.

Caramel elige concentrarse en modernos temas sociales. Su principal escenario es un salón de belleza de Beirut, donde las mujeres hablan con franqueza sobre hombres, sexo, el matrimonio y la felicidad. Sus conversaciones están intercaladas por escenas conmovedoras y cómicas.

El título de la película está inspirado por la mezcla de azúcar, agua y limón usada por las mujeres árabes como método tradicional de depilación y también está protagonizada por Labaki como Layale, una cristiana libanesa de 30 años quien es propietaria de un salón y está involucrada con un hombre casado.

Las mujeres se enfrentan a temas sociales por antonomasia en el Líbano de hoy en día, pero que la sociedad califica como tabú. Un personaje, Nisrine, es una mujer musulmana que está por casarse, pero su futuro esposo no está enterado de que ella no es virgen.

El personaje de Rima es una mujer poco femenina que tiene sentimientos por una arcliente atractiva, mientras que Jamale se esfuerza por demostrar que ella todavía es joven. Rose, una costurera de 65 años, sacrifica el amor por cuidar de su hermana anciana.

“Estas son historias que he escuchado, que están inspiradas en personas que conozco y en personas que me contaron sus historias. El modo en que se abordan los temas no es provocativo,” dijo Labaki.

Nadine Labaki dejó su primera marca como directora en el 2000 dirigiendo videos para jóvenes estrellas pop libanesas.

Duración: 96 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Nadine Labaki (Layale), Yasmine Al Masri (Nisrine), Joanna Moukarzel (Rima), Gisèle Aouad (Jamale), Adel Karam (Youssef), Siham Haddad (Rose), Aziza Semaan (Lili), Fatme Safa (Siham), Dimitri Stancofski (Charles), Fadia Stella (Christine), Ismail Antar (Bassam).
Guión: Nadine Labaki, Jihad Hojeily y Rodney Al Haddad

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